КОМЕДИЯ ДЕЛЬ АРТЕ | Курс о театре «Лаборатория жизни». Пост №13
Добро пожаловать в золотой век туалетного юмора!
Из Средневековья мы переносимся в эпоху Возрождения — эпоху открытий, инноваций, красоты, изысканности и… непристойных комедий.
И сегодня наш путь лежит прямиком в Италию, чтобы в полной мере оценить элегантность неоклассического Ренессанса и стать свидетелями изобретения одной из самых популярных и любимых зрителями театральных форм — «комедии дель арте».
Эпоха Возрождения в Италии продлилась приблизительно с 1300-го по 1600-й год.
Ее зачатки довольно сильно пересеклись с поздним Средневековьем и переход не имеет фиксированной точки отсчета, поскольку обычно никто не рассылает пресс-релизы, объявляя о завершении одной исторической эры и наступлении другой. К тому же любые системные культурные изменения всегда требуют времени.
В результате множество театральных форм, с которыми мы сегодня познакомимся, продолжали одновременно сохранять признаки мистерий с их легендарными театральными повозками.
Но прелесть в том, что ни эти театральные повозки, ни сами страсти и мистерии никогда не попадали в Италию. И поэтому именно тут стало возможным возникновение и процветание других жанров.
Как мы помним, Средневековье тотально концентрировалось на Боге. Немного еще на феодализме, крестовых походах и чуме, но преимущественно было полностью про Бога и для Бога.
Ренессанс же оказался полностью про человека и для человека. И лишь совсем немного о чуме.
Именно Ренессанс ввел гуманизм — идею о том, что земная жизнь — это не просто долина плача, которая может доставить человека на небеса, если он хорошо себя ведет, а сама по себе представляет наивысшую ценность.
И эта простая идея способствовала настоящему прорыву человеческих достижений в медицине, физике, музыке, изобразительном искусстве и, конечно, театре.
Знакомясь с Хросвитой (легендарной монахиней, воскресившей западный театр), мы узнали, что на Западе даже в период упадка и запретов театрального искусства, римская драма никуда не исчезала. Работы Теренция, Плавта и Сенеки активно читались и во времена Средневековья. По ним просто не делали театральных постановок.
И вот в 1300-х годах итальянские писатели начали пытаться вернуть золотой век драмы и воссоздать утраченные шедевры древнеримской драматургии. Но им потребовалось очень много времени на создание чего-то, качественно отличающегося от бытовых адаптаций в духе Хросвиты.
Почти все первые попытки обращались к римским трагедиям. Но к концу 1390-х годов начали возникать итальянцы, пишущие в стиле римской комедии — с ее неизменными близнецами, нелепыми неузнаваниями, путаницами и прочими неотъемлемыми элементами.
Какое-то время такие произведения-реконструкции писались на латыни, без
Это привело к тому, что в 1400-х года некоторые дворяне задались вопросом: «Эй, а что, если мы превратим банкетный зал в театр и сыграем там Плавта?».
И спустя всего несколько лет уже возник другой запрос: «Эй, а ведь было бы гораздо веселее, если бы работы были написаны не на латыни, а на человеческом разговорном языке! И пусть они лучше рассказывают не о минувшей древности, а о том, что происходит с нами прямо сейчас!»
А затем presto! и возникли неоклассические работы, которые получили такое название потому, что были все еще классическими, просто при этом новыми.
Сначала итальянские драматурги много писали комедии в стиле Плавта — с юными любовниками, несправедливыми родителями и неверными женами. Среди таких авторов в историю вошел даже сам Никколо Макиавелли со своей знаменитой комедией в пяти действиях «Мандрагора».
Работы такого жанра стали называть «commedia erudita» (эрудированной комедией), поскольку они были основаны на классической модели повествования и, как минимум, требовали умения хорошо читать.
Но были ли такие комедии в действительности классическими?
И да, и нет.
К 1498-му году знаменитая «Поэтика» Аристотеля вновь вернулась в обращение. И итальянцы действительно штудировали ее вплоть до 1550-го года. Вот только выводы, которые они делали из суждений Аристотеля, сильно отличались от первоначальных идей автора.
Первым делом итальянские писатели избавились от греческого хора. Затем начали стремиться к большей реалистичности. Потом они начали писать трагедии со счастливыми финалами (то, что мы теперь называем «трагикомедиями»).
Итальянцы решили, что трагедии должны в первую очередь преподавать полезные моральные уроки (эту идею они позаимствовали у римского философа Горация) и именно этому себя полностью и посвятили.
Почти все новые пьесы в частном порядке писались при дворе, по специальному заказу. Ставили же их в качестве чествования отдельного человека или события. Публика была сплошь вельможи. Вельможи же были и актерами. Если вы были из более низкого сословия, то ваш шанс увидеть эрудированную комедию на сцене был крайне скуден.
Но, к счастью, эрудированная комедия была не единственным театральным развлечением.
Большинство инновационных итальянских театральных деятелей по сути мало фокусировались непосредственно на текстах пьес. Они были настоящими волшебниками сценических воплощений, блистательными постановщиками-стейджкрафтерами. Этот процесс полностью их захватывал и особенно им удавался.
Сначала они посмотрели на все существовавшие до них люки в полу (символизирующие в эпоху Средневековья адскую пасть) и… решили добавить больше перспективы, а также изобрели подвесные декорации на трапециях и тросах, которые мы продолжаем встречать в театре и сегодня.
По сути эпоха Возрождения для театра началась, когда в 15-м веке итальянцы вновь открыли для себя написанный в 1-м веке до нашей эры трактат Витрувия по архитектуре, который по факту являлся почти поэтикой архитектуры, под завязку заполненной подробными профессиональными советами по монтажу.
Открытие у изображения прямой линейной перспективы навсегда изменило внешний вид театральных декораций, помогая им выглядеть трехмерными. Хотя, конечно, полностью оценить такой эффект могли только императоры, герцоги, графы или кто-то в этом духе, так как перспектива работает исключительно, если смотреть на сцену с центральных мест (которые и предназначались для знати).
А в 17-м веке произошла настоящая революция в сценографии.
Декорации стали сменяться, выезжая на сцену и уезжая с нее по специальным прорезям в полу. Когда менялась картина, боковые панели разъезжались в разные стороны и обнажали другие панели с декорациями, которые все это время находились за ними.
Уже в конце 16-го века сады и банкетные залы стали обладать специально построенными постоянными театрами, возможно первыми специализированными театральными сооружениями в Европе со времен падения Римской империи.
Так в городе Виченца Олимпийская академия построила знаменитый театр «Олимпико» (итал. «Teatro Olimpico»), спроектированный известным архитектором Андреа Палладио и открытый в 1585-м году. Театр был полон деталей и выглядел, словно классический римский театр сжал его и заключил в себя. «Олимпико» использовался не часто, но его устройство значительно повлияло на все последующие здания театров.
Широкая арка над сценой повлекла за собой возникновение просцениума (передней, ближайшей к зрителям части сцены, расположенной перед порталом сцены), которая с тех пор присутствует и используется практически во всех современных театрах.
Также в эпоху Возрождения Италию заполонили книги, в деталях рассказывающие, как именно сделать так, чтобы боги и облака взмывали над сценой, а растения и камни опускались и реалистично располагались внизу. Обычным явлением сценографии того времени стали морские сцены, а также пиротехника и машины, подражающие звукам ветра и раскатам грома.
Электричество к тому времени еще не было изобретено, поэтому освещение осуществлялось с помощью масляных ламп и свечей, что делало театр жарким и мглистым местом.
Все это было довольно круто, но не так круто, как «комедия дель арте» (итал. — «commedia dell’arte») или «комедия масок», которая являлась земным и часто похотливым аналогом эрудированной комедии и обладала куда более драматическим сценическим спецэффектом — женщинами.
Правильно, начиная с 1560-го года, наконец стало разрешено присутствие женщин на сцене. Но пока только в Италии. Англии, например, потребуются еще долгие столетия, чтобы осуществить этот шаг.
Ученые до сих пор расходятся во мнениях относительно происхождения жанра комедии дель арте, но самая популярная теория уводит корнями к давно знакомой нам похотливой древнеримской ателлане, которую на протяжении долгих столетий господствующего Средневековья сохраняли бродячие менестрели и мимы.
Как и ателлана, комедия дель арте основывалась на шаблонных персонажах и импровизационных ситуациях, которые позволяли артистам c легкостью встраивать в повествование предварительно заученные комические фрагменты, основанные на кривлянии, гримасах и акробатических трюках, которые называются «лацци» (итал. «lazzi» — шутки, буффонады).
В основном лацци были пошловатыми шутками. Существовали даже целые книги с перечислениями сотен лацци. Там были и лацци о шляпах, и лацци о еде, и лацци о мочеиспускании, и просто бесчисленное количество лацци о задницах.
Смесь лацци и импровизации привела к тому, что по ходу развития обычного сюжета Плавта, Теренция или Менандра, публика с интересом ждала, в какой именно момент и какую конкретно лацци шаблонный персонаж предъявит. И как другие шаблонные персонажи на нее отреагируют.
Сами шаблонные персонажи комедии дель арте основывались на собирательных провинциальных типах, поэтому каждый имел свой специфичный стиль одежды, особый акцент и даже отдельную еду, с ним ассоциирующуюся.
Каждая бродячая труппа комедии дель арте включала от 8 до 10 актеров разного сочетания типов таких персонажей, основными из которых были — господа, слуги и любовники.
Господа обычно бывали трех видов:
1. Капитан (известный как «Capitano») — испанский солдат в маске, плаще, с мечом и усами. Он хвастлив, пока дело не дойдет до настоящей битвы, где проявлял себя, как последний трус.
2. Панталоне — скупой купец из Венеции, облаченный в красный жилет, красные штаны и длинную накидку. У него длинная борода, а у его маски огромный нос. Несмотря на то, что он — старик, он неизменнопылает похотью к молодым женщинам, которые не приходят от этого в большой восторг.
3. Доктор или «Il Dottore» — врач из Болоньи, замаскированный и одетый под академика. Доктор — друг Панталоне, и его основная потребность заключается в том, чтобы все вокруг знали, насколько он умен. Поэтому в речи он использует много слов и фраз на латыни. И, разумеется, на таком констрасте большинство лацци о моче связаны именно с этим персонажем. Еще ему часто изменяет жена.
А теперь познакомимся со слугами (которые также известны, как «Zanni»). Почти все они были мужчинами, хотя изредка в некоторых труппах встречались женщины, играющие девственниц.
Основных видов слуг также три:
1. Арлекин или «Arlecchino». Носит зеленую маску и костюм с разноцветными заплатками в виде ромбов. Также имеет деревянный меч, которым бьет людей. Он хитер, подвижен и часто голоден. Как правило, говорит глупости.
2. Пульчинелла — менее конкретизированый тип. Неизменными его чертами было лишь то, что он из Неаполя, горбатый и носит остроконечную шляпу.
3. Бригелла — жестокий и извращенный. Но эта популярная у публики фигура добавилась уже в 18-м веке.
И, наконец, любовники.
Они приятные, ухоженные, с дружелюбным лицом. Но часто глупы. Они не носят масок и довольно скучны. Но именно их любовь (обычно разделенная) инициирует сюжет.
До сегодняшнего дня сохранилось множество книг с лацци и даже отдельные книги с собранием комедий дель арте, хотя, как часто бывает со сборниками, пьесы там не столь хороши.
А позже, уже в 18-м веке, за этот жанр берутся видные драматурги, одним из которых является Карло Гольдони, создавший самый знаменитый памятник комедии дель арте — «Слуга двух господ».
Обычно пьесы этого жанра следуют простым и схематичным повествовательным линиями. Но именно то, что происходит между сюжетными репликами является одновременно притягательно живым и омерзительным. И, судя по тому, что жанр просуществовал многие столетия и сохраняется до сих пор, он оказался комичным, а его шарм заразительным.
Тем не менее, комедия дель арте — это довольно грубая комедия, часто основанная на физических возможностях и ограничениях человеческого тела и издевательствах над ними. Например, вы можете впечатлить своих друзей тем, что попытавшись «шутки ради» натянуть трусы им на голову, объяснить, что на самом деле следовали традиции итальянского Ренессанса. Но это, разумеется, при условии, что после этого они вообще захотят с вами дальше разговаривать.
А нам, тем временем, пора отправляться в Англию, где нас уже уже ждут в елизаветинском театре, и
До скорого!
________
ПРОДОЛЖЕНИЕ:
Курс продолжается исключительно до тех пор, пока вызывает интерес. Если вы заинтересованы в его продолжении, достаточно это обозначить любым удобным способом — лайк / коммент / сообщение к оригинальному посту в фейсбуке: https://www.facebook.com/inner.emigrant/posts/486338168481758
________
ПРЕДЫДУЩИЕ ПУБЛИКАЦИИ КУРСА:
СРЕДНЕВЕКОВЬЕ
12 — «Японский театр Но»: https://goo.gl/gR44YS
11 — «Мистерии и моралите»: https://goo.gl/XTmEaF
10 — «Сакральная комедия»: https://goo.gl/NzQTq1
09 — «Литургическая драма»: https://goo.gl/T58BF7
ДРЕВНЯЯ ИНДИЯ
08 — «Санскритская драма»: https://goo.gl/uhmgrz
ДРЕВНИЙ РИМ:
07 — «Римская драма»: https://goo.gl/6KxHFc
06 — «Римский театр»: https://goo.gl/nPqpxA
ДРЕВНЯЯ ГРЕЦИЯ
05 — «Греческая комедия»: https://goo.gl/nzyQPx
04 — «Трагедия Аристотеля»: https://goo.gl/iXgZBT
03 — «Греческая драма»: https://goo.gl/9VCsoU
ВВЕДЕНИЕ
02 — «Природа театра»: https://goo.gl/XFUbky
01 — «Лаборатория жизни»: https://goo.gl/42Hes1
