Черты классической музыкальной культуры в творчестве Queen

Полина Манакова
12:24, 25 августа 2019🔥
Добавить в закладкиДобавить в коллекцию

Сегодня трудно найти человека, который не знал бы о существовании двух британских «королев»: одна находится во главе государства, а вторая когда-то встала во главе мировой рок-музыки.

В 1970 году в Лондоне сформировался новый музыкальный коллектив. К тому моменту мир уже сходил с ума от Beatles, поклонялся бунтарям Rolling Stones и подпевал мыслителям Pink Floyd. Однако это не помешало группе поймать волну и через некоторое время возглавить мировые чарты.

С самого начала творческого пути Queen отличалась от других своим уникальным стилем прогрессивного рока, грамотно сочетая различные музыкальные направления. Хэви-металл, хард-рок, диско, лирические баллады — это далеко не полный список жанров, в которых работала группа. Секрет их неповторимости и разноплановости был и в том, что все четверо участников писали песни и трое, за исключением Джона Дикона, обладали хорошими вокальными данными. Конечно, слово «хорошие» плохо подходит к описанию вокальных данных фронтмена группы. Уникальность Фредди Меркьюри как исполнителя была в том, что его вокальные и репертуарные возможности не были ограничены никакими рамками: он мог исполнять и оперу, и рок-н-ролл.

Queen в начале пути

Queen в начале пути

Нашумевшую «Bohemian Rhapsody» можно назвать яркой отсчётной точкой их вторжения в мир классической музыки, но это не было единоразовым действием, внезапным интересом, оставшимся простым и несерьёзным экспериментом с новым жанром.

Уже во втором альбоме группы «Queen II» есть композиция, во многом предвосхитившая появление «Bohemian Rhapsody». Это композиция «The March of The Black Queen», в которой музыкальная тема меняется несколько раз и применяется излюбленное группой госпельное вокальное наслоение.

Эта песня посвящена борьбе добра и зла в душе человека. Герой песни не знает, какой путь ему выбрать. Но он делает выбор в пользу зла, олицетворением которого является Чёрная Королева, она и губит его. Композиция песни представляет собой диалог между героем и Чёрной Королевой.

Как и первый альбом группы, «Queen II» был переполнен религиозными намёками. В альбоме «Queen» это можно проследить в таких композициях, как: «Great King Rat» — песне об Антихристе; «My Fairy King», рассказывающей о появлении зла в зороастрийской версии; «Liar», фактически представляющей пересказ 24-го псалома Библии, где начальные строки «Father I have sinned» («Отче, я согрешил») являются началом католической молитвы; «The Night Comes Down», рассказывающей о человеке, потерявшем духовные ориентиры; «Son and Daughter», «Jesus» и «Seven Seas of Rhye», инструментальной композиции, посвящённой второму пришествию Христа.

Дебютный альбом «королевского» квартета является концептуальной работой, где все композиции связаны общей тематикой. Здесь уже закладываются основы «квиновского» стиля: мощные хоровые аранжировки и гитара-оркестр. Однако альбом «Queen II», продолжая религиозную тематику в композициях «Father to Son», «White Queen» и вышеупомянутой «The March of The Black Queen», становится мощнее и разнообразнее своего предшественника. В этой работе впервые отчётливо обозначается склонность группы к диаметрально противоположным по настроению и звучанию композициям, таким, например, как тяжёло-роковой «Ogre Battle» и задумчивой «Nevermore».

Но безусловным бестселлером и классикой рока всё-таки стал четвёртый альбом Queen «A Night at the Opera», а песня «Bohemian Rhapsody», до сих пор являющаяся одной из самых популярных песен группы, — центральной композицией альбома и первым синглом, выпущенным Queen.

Во время работа над «Bohemian Rhapsody» Меркьюри чётко представлял, какой результат он хотел получить, и, по словам Брайана Мэя , остальные участники только помогли претворить его идею в жизнь. Песня грандиозна по своему размаху: начинается как простая баллада, затем перерастает в мощный оперный хор и завершается взрывной хард-роковой кодой. Её нельзя разбить на припевы и куплеты, только на разные по стилю части, представляющие отдельные музыкальные направления. По сути, это три песни, соединённые Фредди Меркьюри воедино.

Сначала были записаны первая и роковая часть, центральная часть расширялась в зависимости от новых вокальных вставок. По словам продюсера Роя Брайана Бейкера, у Фредди Меркьюри в процессе записи песни постоянно возникали необычные идеи: «Как-то он пришёл и говорит: “У меня кое-что новенькое для вокала, давай воткнём сюда немного Галилеев”».

Оперная секция записывалась около недели по десять-двенадцать часов в сутки безостановочного пения. В общем, на запись этой композиции, содержащей 180 вокальных партий и множество гитарных, ушло шесть недель. Группа была уверена, что эта песня должна стать синглом, но по музыкальным законам того времени сингл не должен был длиться более трёх минут.

В байопике 2018 года «Богемская рапсодия» есть несколько эпизодов, посвящённых записи песни и борьбе группы с EMI за выпуск её в качестве сингла. Конечно, это художественный фильм, и он не должен претендовать на документальность, но, зная биографию, нельзя не заметить, как вольно создатели фильма обращаются с реальными фактами.

Кадр из фильма "Богемская рапсодия"

Кадр из фильма "Богемская рапсодия"

С выпуском «Bohemian Rhapsody» как сингла действительно возникли проблемы, и раскрутить композицию удалось только через знакомого диджея Кенни Эверетта (этот эпизод тоже есть в фильме). Однако Queen никогда не разрывала контракт с EMI броском камня в стекло, более того, музыканты сотрудничали с лейблом до 2010 года.

На выпуске сингла музыканты не остановились, они хотели запустить песню ещё и по телевидению и приняли решение записать короткий рекламный фильм, режиссёром которого стал Брюс Гауэрс. Таким образом, группа привлекла к себе внимание телевидения новаторским методом, сделав поп-мини-фильм, являющийся прямой предпосылкой к последующему созданию видеоклипов. Это дало им возможность быть в эфире без приглашения на интервью.

С момента выпуска песни была принята не одна попытка расшифровать её содержание. Существуют различные варианты — от признания музыканта в своей нетрадиционной ориентации до истории убийцы, продавшего душу дьяволу. Исследователи Queen часто уделяют особое внимание этой теме. Например, М. Ахундова, подробно исследуя текст песни и ориентируясь на вероисповедание Фредди Меркьюри, предполагает, что эта песня о богемном парне, представителе «золотой молодёжи», которого увлечение восточным оккультизмом довело сначала до убийства, а потом и до самоубийства .

Однако ответы самого автора всегда были уклончивы. «Вся поэзия в ушах слушающего» — отвечает Меркьюри (Рами Малек) в фильме «Богемская рапсодия» на вопрос «о чём?». Примерно такими же объяснениями реальный Меркьюри ограничивался всегда. Музыкант полагал, что объяснение смысла развеивает миф и разрушает таинственность, придуманную людьми.

Фредди Меркьюри хотел создать оперу в рок-н-ролльном ключе с сильными вокальными партиями — такую композицию, которую невозможно будет сравнить ни с одной ранее написанной кем-либо песней.

«Bogemian Rhapcody» исполнялась практически на всех концертах группы. Однако то хоральное многоголосие, которое было записанное в студии, невозможно было воспроизвести на сцене, поэтому группа искала разные пути выхода из этой ситуации. Оперная и хард-роковая части заменялись песнями «Killer Queen» и «The March Of The Black Queen», а позже применялся и такой вариант: после гитарного соло группа уходила со сцены и оперная часть пелась в записи, потом музыканты возвращались и доигрывали песню.

Композиции удалось дважды побывать на вершине британских чартов. В 1975 году, когда вышел сингл, она продержалась там девять недель, и в 1991, после смерти солиста Фредди Меркьюри. Тогда же вышло переиздание «Bogemian Rhapcody» вместе с песней «These Are the Days of Our Lives». На сегодняшний день это первый и единственный случай, когда одна и та же версия песни была дважды на первом месте.

Однако «Bogemian Rhapcody» не единственная вещь в этом альбоме, где используется эффект хорового звучания: в тяжёлой «The Prophet’s Song» используется тот же приём голосового наслоения.

В этой песне говорится о безумце, который предупреждает людей о грядущем Апокалипсисе. Композицию можно разделить на три секции. Первая содержит основную часть текста песни — в ней пророк предупреждает о скором потопе и призывает на свой ковчег; вторая является акапельной импровизацией –

Фредди Меркьюри поёт бессвязные фразы, которые повторяются эхом, создавая эффект пения целого хора; третья часть состоит из длинных инструментальных секций и последнего куплета. Помимо того, что эта песня является одной из самых тяжёлых и мрачных работ группы, она также представляет собой одну из самых длинных — восемь минут — и сложных по исполнению композиций Queen.

Участники Queen любили экспериментировать со звучанием, используя новые для себя музыкальные инструменты. Так, в «Love of my life» доминирующим инструментом является рояль, оттеняемый нежным звучанием арфы.

Эта любовь к новым и неожиданным для группы музыкальным сочетаниям часто заставляла их переделывать песни для концертного звучания. «Love of my life» никогда не исполняли в студийном варианте. Брайан Мэй создал более простую версию для концертных выступлений, в которой основным инструментом была двенадцатиструнная гитара, партий рояля и арфы не было, гитарное соло игралось, но не на электрогитаре. Во время исполнения песни свет потухал, видны были лишь Мэй, сидящий со своей гитарой, и Меркьюри, стоящий рядом с микрофоном.

После выхода пятого альбома «A Day at the Races» на группу посыпались обвинения критиков в самоповторении, в неудачной попытке повторить альбом «A Night At The Opera». Но участники никогда не отрицали этого сходства, более того, работа над обеими пластинками велась группой одновременно, просто одна была записана немного раньше.

Песня «Somebody to love» замышлялась как противовес «Bohemian Rhapsody». То же многоголосное звучание госпела, созданное с помощью всего трёх человек — Фредди Меркьюри, Брайана Мэя и Роджера Тейлора. Роджер, ещё в детстве получивший навыки исполнения высоких нот в церковном хоре, смог особенно ярко проявить свои вокальные воможности в этих многодорожковых хитах. Но если в «Bohemian Rhapsody» части сольного пения Меркьюри и хора сменяют друг друга, то в «Somebody to love» хор перекликается с самостоятельной партией солиста, вторит ему наслоением записанных голосов.

В композиции «You Take My Breath Away» Фредди Меркьюри решил обойтись без стандартного хорового трио. Здесь он «размножил» себя, создав звучание, подобное райскому хору, и аккомпанировал себе сам. Так что, остальные участники фактически не участвовали в записи этого произведения.

В «Good Old-fashioned Lover Boy» группа вновь обращается к водевильным приёмам, что было уже в предыдущем альбоме в композициях «Lazing On A Sunday Afternoon» и «Seaside Rendezvous». Песня о «добром старомодном любовнике», предвкушающем веселье и любовь будущей ночью, начинается пением и игрой Меркьюри на рояле. В первой части песни Queen пользуется излюбленным приёмом хорового звучания — это было своеобразной «визитной карточкой» Queen.

Несмотря на похожую структуру и «наполнение» пластинок, в «A Day at the Races» есть композиция, которую сложно представить в альбоме рок-группы, — это вальс «The Millionaire Waltz».

Это нечто «внеквиновского формата». Однако композиция похожа на «Bohemian Rhapsody» в том смысле, что это аранжированный сложный номер, где тактовый размер несколько раз меняется, хотя вокальных наложений не так много. Брайан Мэй полностью оркестровал эту песню гитарой, как никогда до этого не делал. Его инструмент изображает в этой песне всё: от тубы до флейты-пикколо и виолончели. Это заняло несколько недель, но результат был ошеломляющим — получился вальс в стиле Штрауса. Но Queen были бы не Queen, если бы к середине композиции сквозь мелодичные гармонии и нервные призывы «Come back to me» в песне не прорвалось их роковое сверхначало.

Во второй половине 70-х на сцену ворвался панк-рок, его триумф стал настолько впечатляющим, что многие группы не решились выпускать новые альбомы. Но Queen это не останавило, группа выпустила альбом «News of The World». И хотя самыми известными композициями с альбома стали «спортивные» «We Will Rock You» и «We Are The Champions», но на нём присутствуют лиричная, трогательно спетая Брайаном Мэем «All Dead, All Dead» и романтичная, исполненная под аккомпанемент фортепиано баллада «My Melancholy Blues».

Нечто похожее на мини-рок-оперу встречается в следующем альбоме «Jazz» 1978 года — это песня «Bicycle Race».

На написание этой композиции Меркьюри вдохновила гонка Тур де Франс, которую он наблюдал из окна гостиничного номера. Песня начинается с припева, в котором слышен хор из участников группы. Далее следует спор двух людей, в ходе которого упоминаются такие важные явления в поп-культуре 70-х, как «Челюсти», «Звёздные Войны», Роллс-ройс, Питер Пэн, Франкенштейн и Супермен. Ближе к финалу песни начинается известное «соло велосипедных звонков». На концертах группы фанаты обычно сами играли эту часть своими собственными колокольчиками или звонками. После этого следует гитарное соло, которое изображает гонку между двумя велосипедистами. Далее идёт последний куплет, в котором упоминаются такие исторические явления в 1970-х годах, как президент США, Вьетнам и Уотергейтский скандал.

В 1980 году Queen поступил заказ от американского режиссёра Майкла Ходжеса написать саундтрек к фантастическому фильму «Flash Gordon». Особенностью этого альбома стало то, что вокал Фредди Меркьюри был записан лишь на двух композициях из восемнадцати, остальные треки инструментальные. В целом, альбом представляет собой рок-симфонию с постоянно чередующимися музыкальными темами двух героев, один из которых олицетворяет добро, а второй — зло. В одной из композиций альбома — «Marriage of Dale and Ming» — содержится инструментальная обработка «Свадебного марша» из оперы Рихарда Вагнера «Лоэнгрин».

Увлекшись в начале 80-х диско, фанк и new-wave ритмами, группа создала свой самый неоднозначный альбом «Hot Space». Избегая использования синтезаторов ранее, они, словно, решили наверстать упущенное.

Однако уже в следующей работе «The Works» они вернулись на свою орбиту, и многие песни с этого альбома прочно вошли в концертный сет-лист группы.

Первыми строками песни «It’s a hard life» с этого альбома стали слова:

I don’t want my freedom

There’s no reason for living with a broken heart

(Я не хочу себе свободы —

Нет смысла жить с разбитым сердцем)

Музыкальной основой для них послужила строка «Ridi, Pagliaccio, sul tuo amore infranto!» («Смейся, паяц, над разбитой любовью!») из оперы «Паяцы» Руджеро Леонкавалло. Примечательно, что та же мелодия используется в саундтреке фильма «Ночь в опере», в честь которого Queen назвали свой альбом 1975 года «A Night at the Opera».

Песня очень нравилась Мэю и Тейлору, которые считали её одной из самых красивых вещей, написанных их солистом. Однако видеоклип к песне вызвал совсем иные эмоции группы: все, кроме Фредди Меркьюри, считали его чересчур помпезным.

Действие клипа разворачивается в вычурно-барочных убранствах дворца, где участники группы и всё окружение появляются в костюмах «оперного стиля», как если бы они были при дворе Людовика XIV. Всё это напоминает многолюдную костюмированную вечеринку, где богатый хозяин дома (сам Меркьюри) среди шума мероприятия неожиданно понимает, что он одинок. Окружённый аплодисментами и почитателями, он не чувствует себя по-настоящему счастливым.

Just one year of love

Is better than a life time alone

(Всего один год любви

Лучше, чем целая жизнь в одиночестве)

Эти строки композиции «One year of love», созданной в жанре симфонического рока, со следующего альбома «A Kind of Magic» звучат как продолжение темы одиночества. (Стоит отметить, однако, что автором её был бас-гитарист группы Джон Дикон.)

В записи этой песни не участвовал гитарист группы Брайан Мэй. Для студийного исполнения этой рок-баллады был приглашён оркестр во главе с дирижёром Линоном Нэйвом, а партию саксофона исполнил Стив Грегори.

Настоящим «a kind of magic» можно назвать выступление группы в 1985 году на стадионе Уэмбли, где проходил Live Aid — благотворительный музыкальный фестиваль. Одно из своих лучших выступлений Queen начали с «Bohemian Rhapsody», вслед за ней следовали композиции «Radio Ga Ga», «Hammer to Fall», «Crazy Little Thing Called Love», «We Will Rock You» и «We Are the Champions». Но всё это было до того, как Меркьюри и гитарист Брайан Мэй исполнили акустическую версию «Is This The World We Created?» — об этом моменте Фредди Мерьюри позже сказал, что это удивительно: будто кто-то специально просил группу создать песню для этого фестиваля, а у Queen уже была готовая .

Сразу после концерта Элтон Джон заявил, что Queen «украли» шоу. Только им хватило смелости, наглости и виртуозности, чтобы распотрошить свои хиты и составить из этих обрывков удивительно цельную двадцатиминутную программу. По итогам фестиваля выступление Queen было признано не только лучшим на Live Aid, но и в истории музыки вообще.

Успех на этом грандиозном шоу вдохновил музыкантов на создание композиции «One vision». Во вступлении песни, помимо искажённых голосов, шепчущих о «путях господних», отчётливо слышится тема нагнетания, отдалённо напоминающая тему адажио из балета «Лебединое озеро». Эта песня была включена во все концерты группы в рамках «Magic tour». С неё начиналось каждое выступление: участники Queen считали, что вступление этой песни идеально подходит для начала шоу.

Так же идеально, как для финала фильма «Богемская рапсодия», по мнению её создателей, — триумф Queen на Live Aid. Фильм о группе вышел только в 2018 году, однако Queen уже давно проявила себя на большом экране — её фильмография насчитывает несколько сотен строк.

Специально для фильма «Горец» Рассела Малкахи группой была написана песня «Who wants to live forever». Тонкое чувство образа и умение Queen создавать мощные песни-гимны стали определяющими факторами в целенаправленном выборе режиссёра, обратившегося к квартету.

Группа посмотрела отрывок фильма, сразу после чего, по дороге со студии, гитарист Брайан Мэй, вдохновлённый сценой с бессмертным героем Коннором Маклаудом и его умирающей женой, сделал первые наброски будущего шедевра.

В записи песни принял участие Национальный Филармонический Оркестр, а сами участники Queen сменили привычные для себя музыкальные инструменты: Брайан Мэй исполнял свою партию на органе, Джон Дикон — на контрабасе, а Роджер Тейлор — на симфонических барабанах. Это можно увидеть в видеоклипе к песне, который был снят на лондонском складе, среди сотни свечей, при участии того же симфонического оркестра и сорока хористов.

В фильме всю песню поёт Фредди Меркьюри, но на пластинке первый куплет и ещё несколько строк исполняет автор песни — Брайан Мэй.

Последним альбомом Queen, записанным и выпущенным при жизни Фредди Мерьюри, был «Innuendo». Название можно перевести на русский язык как «недосказанность», «косвенный намёк». Скорее всего, это имеет прямое отношение к состоянию Меркьюри, который к тому времени был уже тяжело болен, хотя ни одного заявления по этому поводу не было им сделано.

Этот альбом по праву можно считать апогеем Queen в их стремлении к музыкальной разноплановости. На одной пластинке уживаются философские «These Are the Days of Our Lives», на которую был снят последний клип с участием Фредди Меркьюри, и «Don’t Try So Hard», готичная «I’m Going Slightly Mad», ритмично-синкопированная «Headlong», решительная и яростная «Show must go on» и заглавная «Innuendo», одна вобравшая в себя немыслислимые до Queen музыкально-жанровые сочетания.

Песня начинается с барабанной дроби, сразу за которой исполняется основной ритм песни. За следующей короткой спокойной частью начинается партия фламенко, исполненная Стивом Хау из Yes на испанской гитаре, а после неё — оперная. Потом начинается соло на электрической гитаре, в конце композиция возвращается к первоначальному ритму.

По словам гитариста группы Брайана Мэя, «испанские мотивы предполагаются с самого начала песни; эти маленькие рифы, чем-то похожие на болеро» .

Этот трек занял своё почётное место в музыкальном наследии Queen. Композиция вобрала в себя различные идеи из предыдущих работ группы: отсутствие одной музыкальной идеи и разнообразие стилей, как в «Bohemian Rhapsody», «Princes of the Universe» и «The March of the Black Queen», диссонирующие ноты, как в «The Miracle», неожиданную перемену ритма, как в «Bicycle Race» и странные голосовые звуки из «Rock It».

Эта композиция является ещё и одной из самых длинных песен группы —

6 минут 29 секунд. Однако существует ещё «взрывная версия» (explosive version), которая вышла на сингле. Её отличие от альбомной версии состоит в том, что следом за финальным аккордом звучит запись, которая имитирует звук атомного взрыва.

Не меньше чем вокальные данные Фредди Меркьюри, поражают его сценические костюмы и любовь к перевоплощению. Для музыканта было неприемлемым просто выйти на сцену и спеть, каждое выступление должно было превращаться в грандиозное зрелище, способное удивить каждого, кто придёт на концерт.

На выступлениях Меркьюри выдавал балетные па в своей странной, нервной манере и напоминал танцующего арлекина в трико с открытым торсом.

Ф. Меркьюри на одном из концертов

Ф. Меркьюри на одном из концертов

Отношения Меркьюри с балетом, начавшиеся с внешнего подражания «форме» танцоров, обернулись серьёзным сотрудничеством в 1979 году, когда Королевский балет Великобритании предложил солисту Queen выступить с ними на благотворительном концерте. Нужно было привлечь к этому мероприятию как можно больше публики, и участие Фредди Меркьюри в этом событии было беспроигрышным вариантом.

Предложение надеть трико фронтмену рок-группы поступило от Джозефа Локвуда — председателя совета директоров Королевского балета и главы британской звукозаписывающей компании EMI. Меркьюри согласился и на некоторое время променял вокальные репетиции на балетные классы, чтобы вместе с профессиональными артистами выступить под «Bohemian Rhapsody» и «Crazy Little Thing Called Love».

Привыкать к «балетной одежде» музыканту не пришлось — трико было его излюбленной формой для выступлений, а балетные туфли он носил в студии для удобства во время записи третьего альбома Queen «Sheer Heart Attack».

Но трудности были в другом — музыканту за короткий срок предстояло научиться делать вещи, на которые у танцоров уходят годы тренировок. Особенную сложность для него, любителя сценических импровизаций, представляло заучивание движений и необходимость двигаться по заданным правилам. В результате, на концерте он танцевал так, как привык, не считая некоторых массовых сцен.

В этом выступлении Фредди Меркьюри не изменил своей любви к эпатажу на сцене. За короткое время, отведённое для выступления, музыкант исполнил несколько оригинальных сценических элементов: начиная от смены костюма прямо на сцене во время композиции «Bohemian Rhapsody» и заканчивая исполнением последней части песни вниз головой.

Этот танцевальный гала-концерт отмечен ещё и тем, что во время него состоялась премьера песни «Crazy Little Thing Called Love», которую Фредди исполнил сразу после ««Bohemian Rhapsody».

Сингл «Crazy Little Thing Called Love»/«We will Rock You (Live)» появился в продаже 5 октября 1979 года, но вживую эта песня была исполнена первый раз 7 октября во время выступления Фредди с Королевским балетом.

Композиция очень отличается от всего того, что делала Queen ранее, даже сам Меркьюри, написавший эту песню, отмечал, что это не слишком похоже на него. Песня написана в стиле близком к рокабилли, и Меркьюри исполнял её в манере Элвиса Пресли. Музыкант считал, что прекрасно умеет его изображать. Интересно, что на этой записи первый и единственный раз прозвучали гитарные ритм-партии, исполненные самим Меркьюри, не слишком виртуозно владеющим этим инструментом.

Сотрудничество рок-группы и Королевского балета Великобритании было удивительным и смелым решением. И хотя до этого хореографы уже не раз сотрудничали с рокерами: интерес балета к рок-музыке начался в 1960-е, когда её популярность стала массовой, и лейблы стали на ней серьёзно зарабатывать — это был первый случай, когда рок-музыкант надел балетное трико и отправился танцевать с профессионалами.

Совместная работа Фредди Меркьюри с Королевским Лондонским балетом не закончилась в 1979 году. Спустя пять лет музыкант пригласил того же танцовщика Уэйна Иглинга, создавшего номера «Bohemian Rhapsody» и «Crazy Little Thing Called Love», поставить танцы в клипе Queen на песню “I Want to Break Free”. Иглинг придумал изобразить Фредди в виде Фавна из знаменитого балета русского танцовщика и хореографа Вацлава Нижинского на музыку Дебюсси «Послеполуденный отдых фавна» (1912 года). Костюм на нём был сделан по эскизам художника Льва Бакста.

Кадр из клипа "I want to break free"

Кадр из клипа "I want to break free"

Этот балет начала ХХ века был нетипичным произведением для своего времени: в нём почти не было балетных прыжков и танца в классическом понимании. Главными хореографическими элементами были фронтальные и профильные позы, так что в воображении зрителя сразу возникали изображения на античных амфорах.

Новшеством была не только новая хореография, созданная Нижинским, но и его костюм — трико кремового цвета с тёмными разводами. Использовались ещё и специальные заострённые накладки на уши, которые были характерны для Фавна в греческой мифологии. Костюм Меркьюри в клипе был практически полной копией костюма Вацлава Нижинского, не было только виноградной лозы, прикреплённой к костюму, и плетёной шапочки с рогами.

Клип стал одним из самых популярных роликов группы. Конечно, в основном благодаря переоблачению всей группы в женские наряды — костюмы персонажей британского сериала «Coronation Street». Каждая из них мечтает о другой жизни и свободе, о чём и идёт речь в песне.

На съёмках клипа "I want to break free"

На съёмках клипа "I want to break free"

Тот самый фавн Нижинского — бог леса, неожиданно появляющийся в клипе вместе с окружающими его танцорами — лесными нимфами — и есть воплощение полной свободы от всего, кроме своих желаний.

Съёмки клипа заняли много сил, так как и в этот раз не обошлось без сложных элементов. Помимо того, что Меркьюри, как и пять лет назад, прыгал на руки к танцорам, ему необходимо было в другом элементе перекатываться через них, как по конвейерной ленте. Хореограф клипа Уэйн Иглинг позже сказал, что этот эпизод отнял очень много сил.

Следующая встреча с балетом и вклад Фредди в это искусство случились уже после смерти музыканта. В 1997 Морисом Бежаром, французским балетмейстером,мна музыку Queen и Вольфганга Амадея Моцарта был поставлен одноактный балет «Дом священника… Балет для жизни» («Le Presbytère… Ballet for Life»). Бежар посвятил балет всем тем, кто умер раньше своего времени.

В первую очередь, подразумевались личности Фредди Меркьюри и солиста труппы Бежара Хорхе Донна, который тоже умер от СПИДа. Хореограф говорил об этом балете, как о постановке во имя жизни. Премьера постановки состоялась в Париже 17 января 1997 года в Национальном театре Шайо, где присутствовали музыканты группы Queen, а также певец Элтон Джон.

Деятельность Меркьюри в области балета повлияла на музыкальные и культурные предпочтения миллионов его поклонников по всему миру. Это было одной из попыток музыканта расширить границы рок-музыки, добавить ей зрелищности, используя и костюмы, и световые эффекты. Фредди Меркьюри использовал всевозможные артефакты различных культур, чтобы сделать свою музыку ещё лучше и интереснее, в этом для него и состоял прогресс. Игра по одной и той же формуле означала для него остановку в творческом бессилии.

В 1985 году, в то время, пока остальные участники группы находились «в отпуске» после участия в качестве хэдлайнеров на крупнейшем рок-фестивале «Rock in Rio», вышел дебютный сольный альбом Фредди Меркьюри «Mr. Bad Guy».

Запись альбома музыкант начал в течение года, ещё в 1984, в перерывах между гастролями Queen. В одном из интервью Меркьюри сказал, что у него давно была мысль сделать что-то своё, не связанное с группой. Он ждал, когда наступит подходящий момент и накопится достаточное количество песен .

Сразу и очевидно слышимое отличие сольной работы Фредди Меркьюри от творчества Queen — это клавишное, а не гитарное звучание альбома, поскольку, как известно, музыкант очень хорошо владел игрой на фортепиано.

Во время обучения в школе Меркьюри пел в школьном хоре и тогда обнаружил, что способен писать и петь собственные песни. Музыкант легко придумывал мелодию и структуру песни, самым трудным для него было написание текстов.

Первоначально у Меркьюри была идея привлечь известных музыкантов к работе над этим альбомом. Фронтмен Queen хотел создать несколько коллабораций с успешными артистами, чтобы расширить границы звучания своего будущего альбома, к созданию которого, по его собственному признанию, он не был абсолютно готов .

Возможно, Меркьюри не чувствовал себя решительно, после многих лет работы в группе, создавая сольный альбом, и сотрудничество с другими исполнителями отчасти было нужно ему для того, чтобы быть уверенным в качестве и восприятии публикой новых композиций.

Ранее в сотрудничестве с Майклом Джексоном была записана песня «“There Must Be More to Life Than This”, которая изначально создавалась группой для «Hot Space», но не попала в финальную версию альбома.

Однако в «Mr. Bad Guy» звучит сольный вариант Меркьюри, так как, в результате, музыкант решил, что хочет сделать абсолютно весь альбом самостоятельно. Для работы над ним он пригласил сессионных немецких музыкантов.

Песня «Let’s Turn It On» открывает альбом, её звучание немного напоминает стиль диско. За ней следуют две композиции, которые сразу стали хитами, — «Made in heaven» и «I was born to love you». Обе песни ранее (как и песня «Living on My Own») были выпущены в качестве синглов для раскрутки первого «сольника» музыканта. В другой, более роковой аранжировке эти композиции вышли на пластинке группы «Made in Heaven» в 1995 году уже после смерти Фредди Меркьюри.

Под резкие взмахи дирижёра открывается красный театральный занавес композиции «Made in Heaven». Красный плащ Меркьюри развевается над спящим вулканом, опутанным нечистью, которая тянет руки к музыканту. Но он сам спускается к ним, и эта толпа не в силах навредить ему, они заворожены и загипнотизированы музыкой. В финале клипа толстая кора горы ломается, обнажая скрытый под ней земной шар, на вершине которого Меркьюри завершает свою песню.

В композиции ««Your Kind of Lover» Фредди возвращается к излюбленному приёму сочетания разных жанров в одном произведении. Клавишное романтично-балладное начало песни неожиданно сменяется зажигательной диско-частью.

В заглавной песни «Mr. Bad Guy» звучит оркестр. Интересно, что именно эта песня, в которой Меркьюри поёт о себе, вернее, о восприятии себя другими людьми, недоброжелателями, становится центром альбома — пять песен до и пять после. Тревожная, местами саркастичная, она становится откровенным ответом Меркьюри на критику в его адрес. Песня одновременно спрятана и внутри альбома, призванная скрыть, или, по крайней мере, не выставлять напоказ ранимость автора, уставшего от постоянных оценок своего поведения, и, вместе с тем, — её название выведено в заголовок альбома, где оно уже служит другой цели — эпатировать публику.

Жонглирование музыкальными жанрами продолжается в следующей за «Mr. Bad Guy» композиции «Man Made Paradise». Эта песня была написана ранее и должна была стать заключительным номером «The Works», но не была включена в финальную версию альбома после того, как Меркьюри и Мэй сочинили «Is This The World We Created?»

Ненавязчивое поп-роковое звучание неожиданно обрывается, уступая место парящему и пронзительному оперному финалу. В этом альбоме Фредди Меркьюри во всех композициях играет с наложениями своего голоса, но в финале этой песни создаёт многосложные накладки, сравнимые с работами в альбоме «A Night At the Opera».

Из всего альбома клипы были сняты на три песни — «Made in Heaven», речь о котором уже шла ранее, «I Was Born to Love You» и «Living on My Own».

Общество наряженных в чёрно-белые одежды фриков в клипе «Living on My Own» — трансвиститы, ведьма, Пьеро, зебра, королева — это малый список «гостей», собравшихся на вечеринку. Посреди всего безумия — Меркьюри в узнаваемых чёрно-белых лосинах «в шашку». Этот клип интересен тем, что он не был создан специально ради песни. Это запись празднования 39-го дня рождения музыканта в Мюнхене.

Меркьюри признавался, что эта песня о нём, о его жизни. О том, как можно быть окружённым кучей людей, но при этом оставаться одиноким:

"По сути, мой вид одиночества пережить тяжелее всего. Одиночество вовсе не означает, что ты заперт один в своей комнате. Ты можешь быть и в людном месте и ощущать себя по-прежнему самым одиноким человеком, потому что никому по-настоящему не принадлежишь. Я не боюсь открыто высказываться, в том числе о вещах, которые мне хочется совершить. Я также не боюсь делать то, что хочу. Итак, в итоге думаю, что естество и искренность всегда побеждают.

И надеюсь, что это воплощается в моих песнях"

Альбом закрывает «Love me like there’s no tomorrow», сохраняющая мелодическое единство до последнего аккорда. Здесь Меркьюри не стал экспериментировать со структурой песни, создавая музыкальные наслоения, сделав ставку на проникновенность композиции.

В предыдущих альбомах Queen создавали уже композиции, где главным был голос и аккомпанирующий ему рояль (песня «Nevermore» с «Queen II», «Dear Friends» и «Lily of the valley» с третьего альбома группы «Sheer Heart Attack», «You take my breath away» с альбома «A day at the races»).

Конечно, автором этих песен был Меркьюри, который и исполнял их. Музыкант не имел консерваторского образования, но замечательно владел инструментом и легко мог импровизировать.

Альбом «Mr. Bad Guy», в целом, получился очень личным и даже автобиографичным — все свои переживания Меркьюри переплавил в песни. Однако «the great pretender» не нуждался в сочувствии, поэтому почти во всех композициях откровенность текста противоречит лёгкости попсового звучания.

Провокатор и экспериментатор Меркьюри был маятником, постоянно отклонявшимся от «чистого» рока в поисках новых музыкальных сочетаний. Его увлечение далёкой от рока оперой, повлиявшее на звучание группы, не могло не отразиться в сольном альбоме, возникнув вспышкой в финале «Man made paradise» и дав звучание мюзикла заглавной «Mr. Bad Guy».

Планируя свой второй сольный альбом, Фредди Меркьюри решил, что это должно быть нечто абсолютно новое, отличающееся от любого студийного альбома. Он не хотел просто новой «пачки» песен, записанной на плёнку и выпущенной в свет. Меркьюри находился в поиске идей, чего-то особенного в то время, когда неожиданно возникли два удивительных слова — Монсеррат Кабалье.

Оперная певица сама позвонила музыканту, получив от мэра Барселоны предложение принять участие в подготовке к Олимпийским играм 1992 года. Кабалье тоже стремилась к эксперименту — праздник Олимпиады требовал что-то менее академичного, нужна была музыка, способная понравиться не только ценителям оперы. Певица знала, что Фредди Меркьюри является её поклонником, музыкант говорил об этом в интервью испанскому телевидению. Впервые артист увидел выступление Монсеррат Кабалье в Королевской опере Лондона, Ковент Гардене, в 1981 году, после чего сказал: «Я сейчас услышал лучший голос в мире».

До этого Кабалье уже работала с такими музыкантами, как Фрэнк Синатра и Майкл Болтон, но сотрудничество с Фредди Меркьюри стало для неё неповторимым опытом, когда исчезали границы между оперой и рок-музыкой.

Они встретились в Барселоне, музыкант тут же сел за рояль и начал импровизировать, что очень поразило Монсеррат Кабалье: «Я тут, как всегда, влезла со своим оперным снобизмом. Удивленно спрашиваю: вы играете на рояле? Он на меня посмотрел, конечно, совершенно уничтожающим взглядом и так по клавишам Шопена как заиграл — тарара-тарара» . Фредди Меркьюри ещё в юности серьёзно занимался музыкой — и композицией, и игрой на инструменте, и вокалом. Тогда же он спел Монсеррат Кабалье несколько гамм баритоном, хотя в Queen Меркьюри прославился как тенор. Он никогда не использовал эти голосовые возможности, будучи участником рок-группы, объясняя это так: «мои поклонники тогда не придут на мои концерты».

Именно Монсеррат настояла на создании не просто одной песни, а целого альбома: «Только одну песню? Ты хочешь сделать только одну песню?» (…) Сколько обычно песен выходит на рок-альбоме

Меркьюри пришлось углубиться в вопросы оперы, чтобы удостовериться, что он сможет правильно использовать голос певицы. Артист провёл много времени, разговаривая с ней и слушая её записи, чтобы выявить все нюансы пения Монсеррат Кабалье, использовать тончайшие оттенки её голоса и раскрыть их в своей музыке. Более того, важным вопросом было сочетание их голосов: «Какой бы замечательной ни была песня, если ваши голоса не подходят друг другу, вам придется работать над ней в два раза больше».

Фредди Меркьюри и Монсеррат Кабалье

Фредди Меркьюри и Монсеррат Кабалье

Музыкант очень хотел привлечь симфонический оркестр для записи альбома, но этой идее не суждено было реализоваться из–за отсутствия времени, и в итоге альбом частично был аранжирован синтезаторами и драм-машиной. Однако в 2012 году вышло специальное издание этого альбома, воплотившее изначальную идею Меркьюри — запись полноценного оркестра.

В конце 1987 года Фредди сделал несколько зарисовок будущих композиций, среди них была та, что понравилась Монсеррат Кабалье более других и которая впоследствии стала заглавной песней альбома — «Barcelona». Песня на двух языках (Меркьюри исполняет свою партию на английском, а Монсеррат Кабалье на испанском) рассказывает о первой встрече двух любящих людей в испанском городе. Эта композиция стала одним из двух гимнов Олимпийских Игр в Барселоне 1992 года.

На открытии Игр песню должны были исполнить Фредди Меркьюри и Монсеррат Кабалье, но этого не произошло — жизнь артиста прервалась 24 ноября 1991 года. В результате, Кабалье пела вживую на сцене, а Меркьюри исполнял свою партию на экране, натянутом на стене зала.

Как и для Монсеррат Кабалье, для Меркьюри это альбом был «проверкой на прочность». Перед ним возникали те же трудности, что и в ситуации с балетом, — необходимость дисциплинированности, важность и точность каждого движения (ноты). Меркьюри пришлось отказаться и от сумасшедших костюмов и выйти в непривычной для него одежде — классическом чёрном смокинге.

Голосовые возможности Фредди Меркьюри позволяли ему петь в различных жанрах. Его диапазон составлял почти четыре октавы, помимо этого музыкант обладал способностью быстрой модуляции голоса, которая позволяла переходить от одной тональности в другую. Поэтому он мог исполнять композиции в жанре оперы. Однако нехватка времени и репетиций заставила в этот раз Меркьюри отказаться от одного из своих главных правил — исполнения вживую.

Первое совместное выступление Монсеррат и Фредди Меркьюри состоялось весной 1987 года на Ибице в рамках музыкального фестиваля, где они исполнили «Barcelona».

Второй раз Фредди и Монсеррат выступили вместе на грандиозном концерте «La Nit» в Барселоне в честь прибытия из Сеула Олимпийского флага. Под взрывы фейерверка они закрывали концерт, исполнив в присутствии короля и королевы Испании песни “Barcelona”, “The Golden Boy” и “How Can I Go On”.

Отсутствие микрофонов во время исполнения песен означало то, что дуэт пел под фонограмму. Музыкант не хотел испытывать судьбу. Он не был уверен, что сможет спеть всё правильно с первого раза, тем более, что Меркьюри ранее никогда не пел с оркестром. В одном из интервью он сказал, что если бы его голос сорвался, то он бы подвёл Монсеррат Кабалье.

Вторая композиция «La japonaise» также была создана на двух языках — английском и японском. Фредди Меркьюри очень увлекался японской культурой и искусством, что нашло отражение в этой песне. Весь текст был написан им, включая партии на японском языке. В некоторых частях композиции Меркьюри переходит на фальцет, этот вариант исполнения сохранён в финальной, альбомной версии.

Тема противостояния «земного» и «небесного», затронутая Фредди Меркьюри в первом сольном альбоме в песне «Made in Heaven», продолжается в этой работе — песня «The Fallen Priest» углубляет и расширяет мотивы, ставшие особенно значимыми в этот период для музыканта (в это время Меркьюри уже знал о своей болезни).

Резко вырывается на второй минуте из традиций академизма «The Golden Boy», возвращая Меркьюри на родную рок-тропу, тоже происходит и в завершающей альбом композиции «Overture Piccante», представляющей собой коллаж из других песен альбома. В этой вольной увертюре за музыкальной вставкой из композиции «“The Golden Boy” следует задорно-водевильная клавишная часть с многократным повторением фразы «Sing it».

По словам самого Меркьюри, самым плохим определением для этого альбома мог стать термин «рок-опера», «от которого веет скукой». К этому альбому трудно приклеить какой-то ярлык, потому что в него вошли композиции, которых музыкант никогда не сочинял ранее. Одной из главных задач для него было раскрыть по максимуму вокальные данные обоих исполнителей, привыкших работать в разной манере и жанре. Необходимо было не только соблюсти правильную тональность для сложных дуэтов, но и суметь сочетать два сильных, самобытных и уникальных голоса.

В целом, «Barcelona» тяготеет больше к академическому звучанию, лишь в нескольких песнях присутствуют рок- или поп- вставки, размывающие стилевые границы композиций. Думаю, что этот альбом можно назвать одним из самых значительных и необычных экспериментов Меркьюри, открывшего для многих современников свои возможности в качестве оперного баритона.

После смерти своего Короля группа выпустила альбом «Made in Heaven». В нём были использованы записи голоса Фредди Меркьюри. Некоторые песни из альбома были уже до этого знакомы поклонникам Queen, но в этой работе инструментальные партии Брайана Мэя, Джона Дикона и Роджера Тейлора были целиком переработаны. В альбом вошла последняя, недопетая Фредди Меркьюри песня «Mother love», в которой финальный куплет был исполнен Брайаном Мэем.

Сам Фредди Меркьюри никогда не считал себя лидером группы, он говорил: «Я — только солист» . Музыкант считал, что все четверо участников вносят равный вклад в работу группы. Хотя трио — Брайан Мэй, Роджер Тейлор и Джон Дикон — кажется, было иного мнения. Queen не смогла существовать без своего фронтмена. Группой было сделано несколько попыток продлить существование Queen, они приглашали в качестве вокалистов Джорджа Майкла, Робби Уильямса, Адама Ламберта, Пола Роджерса. Но с этими артистами сотрудничали только Роджер Тейлор и Брайан Мэй. Басист Джон Дикон отказался принимать участие в этих многочисленных проектах Queen +.

Queen всегда стояла особняком среди других великих рок-групп. Они не были изобретателями ни одно жанра в рок-музыке, как это обычно происходит с великими коллективами, но зарекомендовали себя корифеями практически в каждом уже имеющемся жанре, не упуская возможности выходить за пределы уже изученных музыкальных форм. Они показали насколько разной может быть рок-музыка, и доказали, что не существует низких музыкальных жанров. Queen смогла сделать то, что не удавалось до них никому: возвела рок-музыку в ранг высокого искусства.

Image

Подпишитесь на наш канал в Telegram, чтобы читать лучшие материалы платформы и быть в курсе всего, что происходит на сигме.
Добавить в закладки